Mutek a bâti sa réputation en premier lieu sur ses choix musicaux. Exigeante, aventureuse et éclectique, la programmation propose le meilleur de la musique électronique. Une musique électronique avant-gardiste. Il s’agit d’electro certes, mais pas une electro “facile”, déjà prête à devenir une sonnerie de cellulaire. Il s’agit plutôt d’une musique abstraite, parfois bruitiste, souvent minimale. Toute la programmation joue sur un grand écart entre musique avant-gardiste et accessible.

Le festival est partagé entre soirées expérimentales (appelées A/Visions), en début de soirée, qui prennent places au Monument National. Plus tard, viennent les Nocturnes, soirées dédiées au dancefloor, le plus souvent à la SAT ou au Metropolis.

- J’ai particulièrement suivi les soirées A/Visions qui explorent les relations entre art, électroacoustique et vidéo. Chaque soir, 3 artistes y était présentés. Ça se passait dans la bourgeoise et confortable salle du Monument National. Le spectateur est assis, captif et attentif à une musique qui échappe délibérément aux canons classiques. Pas de refrains, pas de mélodies accrocheuses; plutôt des ambiances, des textures, une esthétique du son. Des « paysages sonores » où l’on se promène librement et où l’on peut prendre le temps de la contemplation. Ces performances sont le plus souvent accompagnées de visuels qui jouent sur les mêmes effets.

Si, en tant que spectateur, on fait un petit effort, on peut plonger et se laisser porter par les flots et les vagues sonores successives. Le spectacle devient alors totalement immersif. Mais parfois l’ennui vient s’installer ; impossible de s’infiltrer entre les couches sonores. On flotte à la surface de la représentation, on regarde ses voisins, on pense à ce qu’on va manger demain, on se demande combien de temps ça va encore durer.

- Heureusement, dans ces cas là on peut aussi penser à la nuit qui nous attend, avec la programmation des Nocturnes. Dans son but de réconcilier grand public et musique avant-gardiste le festival atteint un certain succès avec ces soirées. Il s’agit de soirées pour danser mais sans céder à la facilité non plus. Pas de gros bangers. Une dance music intelligente (pour pas dire « intello ») et souvent originale. Une musique qui essaie de bouger le corps sans oublier de s’adresser à l’esprit. Ici encore, ce sont des musiciens qui repoussent les normes. Des productions axées dancefloor mais dont les richesses en font une musique parfaite pour écouter aussi dans son salon.

Il existe un public pour ce genre de shows qui , le reste de l’année, doit trouver le temps bien long. Car il faut bien dire qu’à part Mutek, personne ne penserait faire venir à Montréal Dj Koze, Matias Aguayo ou Theo Parrish. C’est ce qui fait toute la valeur de ce festival. C’est aussi ce qui attire de nombreux “touristes musicaux” venus spécialement à Montréal pendant cette longue fin de semaine.

- J’étais parmi eux pendant ces quelques jours, voici une revue détaillée de soirées :  ICI,  ICI et LÀ. Et Valérie vous parle de Paul Kalkbrenner ICI.

Fab4

Jusqu’au 29 août, le Musée des Beaux-Arts de Montréal présente une rétrospective consacrée à l’icône du jazz, Miles Davis. D’emblée, on se demande comment vont-ils se prendre pour exposer cet objet immatériel qu’est la musique ? Réponse : en procédant comme ils avaient fait pour les expositions Warhol Live et Imagine. Retour sur un pari difficile à surmonter.

D’abord créée à Paris à la Cité de la musique l’an dernier, l’exposition We Want Miles : le jazz face à sa légende réunit les mêmes éléments en y ajoutant d’autres photos et vidéos tirées des visites de Miles Davis à Montréal.  Présentée en exclusivité nord-américaine avec la collaboration du Festival International de Jazz de Montréal, le titre de l’exposition fait référence à l’album We Want Miles (1981) réalisé après plusieurs années d’absence. « La musique a toujours été une malédiction pour moi, quelque chose que je me sentais poussé à jouer » disait Miles Davis. Et c’est de cette obsession pour la musique, de ce désir thérapeutique de réformer sans cesse le jazz que les nombreux objets (instruments, partitions, projections, lettres, costumes, albums, portraits, tableaux et dessins) témoignent.

Crédit : Don Hunstein

Organisé en huit salles selon des périodes thématiques et chronologiques, la rétrospective illustre bien le déchirement auquel était soumis Miles Davis, entre une fierté raciale et un attachement pour les clubs de jazz de Harlem et un désir de séduire et de conquérir la société occidentale blanche. Dans un livre laissé aux visiteurs récupérant la formulation de trois vœux de différents jazzmen, la réponse de Miles Davis émeut : « To be white. »

L’exposition est dense. On découvre le jeune adolescent s’initiant au « St-Louis Sound », un son plus doux que celui de la Nouvelle-Orléans, délaissant l’enseignement académique de la réputée Juilliard School pour se lier d’amitié avec les grands que sont Dizzy Gillepsie et Charlie Parker. Le jazz de Miles Davis passera à travers une gamme de sons : blues, be-bop, jazz cool, rock, funk, pop. L’artiste tente sans cesse d’innover : « Je voulais voir ce qui se faisait dans toute la musique au sens large. Le savoir c’est la liberté, l’ignorance c’est l’esclavage. » Il côtoie Boris Vian, Jean-Paul Sartre et s’inspirent de Juliette Gréco, Jimi Hendrix, Cyndi Lauper, Michael Jackson, Prince. Celui qui était victime d’une agression policière dans la nuit du 25 août 1959 prendra la couverture du magazine Rolling Stone dix ans plus tard. Avec le temps, Miles Davis construit son image. Et cette image, l’exposition We Want Miles en épluche les multiples couches.

Crédit : Don Hunstein ; Rolling Stone no. 48, décembre 1969

Cependant, la scénographie, confiée à l’agence parisienne d’architectes Projectiles, déçoit un peu. La conformité des huit salles : l’ambiance tamisée rappelant l’atmosphère des boîtes de jazz, des portraits, des partitions, des articles et les salons d’écoute, donne à l’exposition un caractère monotone qui tranche avec le caméléon qu’était Miles Davis. De surcroît, le sombre éclairage nuit à l’appréciation de quelques photos. On se rappelle avec dépit la beauté des diverses salles de l’exposition Warhol Live. Heureusement, la légende vient sauver l’exposition et les visiteurs quittent le musée avec un réel désir de découvrir qui était Miles Davis.

Les jeudis 17 juin et 29 juillet, de 18 h a 21 h, des concerts de jazz sont offerts au MBAM. Cliquez ici pour plus d’infos.

La Cinémathèque québécoise propose également une programmation intitulée ’Round Miles, du 25 juin au 5 juillet à 17 h. Visitez le site web de la Cinémathèque pour la programmation complète.

Mai Anh Tran-Ho

Mai Anh a rejoint notre équipe pour nous aider à affronter tous les festivals qui arrivent. À ce propos, nous allons rajouter une section à notre site, intitulée tout simplement :”Festivals”. Vous y trouverez des critiques de spectacles, des comptes-rendus de shows et des conseils de sorties. Cette page sera updatée au gré de nos sorties. De son côté de l’atlantique, Nico continue ses vacances studieuses et nous enverra bientôt d’autres nouvelles d’Espagne. Pour le reste, nous continuons à couvrir la scène culturelle de Montréal en fonction de nos emplois du temps, de nos envies et de vos invitations. Vous êtes de plus en plus nombreux à nous lire et on vous en remercie.

Paule B.T.

Voici l’entrevue avec la charmante Paule Trudel Bellemare, l’artiste à qui l’on doit notre nouvelle page d’accueil. Ses illustrations sensuelles et sophistiquée nous ont tout de suite plus. Secrètement, on espère tous ressembler un peu aux personnages qu’elle a représentés. (moi, je serai le gars barbu qui porte bien la chemise ouverte).

Fab4 : Comment ça va aujourd’hui ?

Paule : Je vais bien aujourd’hui, même s’il fait très chaud dans mon appartement. L’été est loin d’être ma saison préférée…

Fab4 : Comment es-tu devenue illustratrice ? Pourrais-tu  nous décrire ton parcours ?

Paule : J’ai toujours aimé le dessin, en fait depuis que j’ai été capable de tenir un crayon. J’ai semblé avoir une facilité, et c’était mon passe-temps préféré, donc naturel de vouloir essayer d’en faire un métier. J’ai hésité longtemps entre Illustration (Dawson) et Dessin animé (Cégep du Vieux Montréal). Finalement je suis allée en dessin animé, plus par peur de l’anglais qu’autre chose. Je me suis reprise côté anglais. Quelques années après avoir fini mon cégep, j’ai déménagé à New York. J’ai fait un ‘Associate Degree’ en Illustration de Mode.

Ce que j’aime vraiment c’est dessiner, alors l’animation…ça n’a pas cliqué très fort. Quand même, le programme était sur trois ans, et très rigoureux. Ça m’a donné une base solide pour bien des choses. J’ai commencé à travailler sur des livres pour enfants après le Cégep, je travaillais dans des boutiques en même temps. J’ai signé avec une agence d’illustration basée à New York (Shannon Associates). Ça m’a donné envie de voir c’était quoi de vivre là-bas, ou ailleurs en général. J’ai adoré mes deux années, mais beaucoup de choses me manquaient de Montréal. Finalement les statuts de visa et de permis de travail et les sentiments m’ont ramenée au Québec après mes deux années d’études. Je passe la barre du un an présentement, et ne regrette pas ma décision du tout! Depuis, j’ai changé d’agence (Lemonade Illustration) et j’ai commencé à faire des collaborations avec des jeunes designers d’ici. (Ok, j’avoue que certaines choses me manquent de Manhattan, de Forest Hills, ou Korea Town…mais je préfère Montréal comme ville où vivre. Et surtout les gens qui y sont.)

Noemiah. Paule B.T.

Fab4 : Comment as-tu réussi à faire ta place dans ce milieu ?

Paule : Je dirais que je n’ai pas encore fait assez ma place à mon goût! C’est vraiment pas une chose facile, et ça prend beaucoup de persévérance et de détermination. J’entame ma 6ème année de freelance, et j’avoue que c’est des hauts et des bas. Je n’ai pas encore le pied dans mes créneaux de rêve (magazines, lookbooks, vêtement, branding). Mais j’ai toujours eu des contrats, à intervalle plus ou moins régulier, et souvent les clients me reviennent. Ce qui est toujours encourageant. Cette année est un peu spéciale, puisque je n’ai pas eu de ‘side-line’ ou de job pour la majorité de l’année, et aussi parce que j’ai commencé à collaborer avec des designers d’ici : Norwegian Wood, Noémiah, This Ilk.

Fab4 : C’est comment la vie d’illustratrice ?

Paule : Comme je disais, les side-line c’est un peu on and off (excusez le franglais). Pour ce qui est de vivre de mon illustration, ça va par phases. Cette année est marquante puisque j’ai pas eu besoin de petit boulots. Dû à mon déménagement bientôt, et pleins d’autres dépenses un peu imprévues, j’ai dû récemment me reprendre une jobbine. C’est sûr c’est un peu déprimant, mais au bout du compte tout le monde paye un loyer, et faut ce qu’il faut. C’est difficile de savoir pour combien de temps on est “safe”… même des illustrateurs qui gagnent super bien leur vie peuvent avoir des années de vache maigre ensuite. Je prends les choses une à la fois.

Marine. par Paule T.B.

Fab4 : Je suppose que tu travailles seule, depuis chez toi :  Comment arrives-tu à t’organiser ? Comment arrives-tu à combattre la procrastination ? (si t’as une solution, je veux la connaître !)

Paule : J’aime beaucoup travailler chez moi. Je suis assez solitaire alors ça me va. Mais faut avoir un coin travail bien rangé et organisé pour pas que ça devienne un cauchemar! Des fois, il suffit que je m’achète un bouquet de fleurs pour ma table à dessin, et j’ai plus envie d’y passer des heures à dessiner ou colorier sur mon ordinateur. J’essaye de rester bien en ordre, et de me faire un horaire strict.

La plupart du temps, j’aime mieux travailler le jour, et garder mes soirées pour faire des choses avec les autres personnes (qui ne sont pas moi, mon chien, ou mon ordinateur!)

Pour ce qui est de la procrastination…et bien je dirais que c’est un combat de chaque jour. Et je crois que c’est le cas pour bien des travailleurs autonomes. Faut rester organisé, et trouver la discipline. J’ai pas encore la recette parfaite, souvent l’adrénaline de la dernière minute m’aide à boucler les dossiers. Mes deux parents ont des métiers qui impliquent travailler à la maison en partie, et j’avoue que je les admire. Ils sont tellement diligents parfois c’est intimidant. Je crois qu’on apprend de ses erreurs et on apprend à se connaître surtout.

Fab4 : Comment travailles-tu ?

Paule : J’aime bien dessiner à la main, papier et crayon,  et ensuite scanner et colorier avec une tablette graphique. Donc le résultat final est en grande partie Photoshop. Durant les dernières années, j’ai commencé à développer une bonne aisance avec la tablette et le programme, et souvent, maintenant, je vais commencer mes images directement sur l’ordi. C’est plus rapide, et présentement, j’aime mieux le traitement. Je ne sais pas si cette manie est là pour rester. J’adore les médiums traditionnels aussi (aquarelle, encre, gouache Windsor et Newton) alors j’imagine que je vais essayer d’y retourner de temps en temps.

Illustration pour un livre pour enfant. Paule T.B.

Fab4 : Y a-t- il des différences entre faire des illustrations pour des livres pour enfant et pour la mode ?

Paule : J’ai toujours l’impression d’être une hybride entre Mode et Enfant. Je suis allée étudier en ‘Fashion Illustration’ parce que je me sentais vraiment très ‘mode’ dans mon style et pour le genre de contrats que j’avais. Un coup rendue là, je me suis souvent fait dire que j’avais un style très enfantin… alors va savoir.

Je reste fidèle à moi-même. Je me dis que si j’ai du plaisir à faire et regarder mes images, d’autres se sentiront comme ça aussi? Que ce soit pour un livre pour enfants ou pour illustrer des vêtements, j’essaye de transposer les choses avec mon regard, ma perception. J’aborde les deux un peu de la même manière. J’imagine que c’est un peu comme pour un designer qui ferait des vêtement pour adulte et enfant. Les collections devraient se ressembler, être jolies ensembles, tout en restant à propos pour adultes, et pour enfants, par rapport à qui c’est destiné.

Fab4 : Où vas-tu chercher ton inspiration au quotidien ?

Paule : C’est un peu cliché mais je dirais : la vie de tous les jours. Je dessine souvent mes amis, ou des gens que je vois dans le métro, qui ont du style, ou un détail intéressant. Quand j’ai des directives très précises, j’essaye d’inclure des touches que j’aime, qui me ressemblent le plus possible. J’achète des magazines de temps en temps pour garder un oeil sur les tendances, et rester inspirée. J’aime bien les Vogues européens, le Elle décor UK, dress to Kill. Je lis des blogues de personnes qui m’inspirent. Souvent c’est pas des illustrateurs en tant que tel, mais des gens talentueux dans d’autres milieux, qui ont leur propre esthétique, et qui réussissent. (Doorsixteen, Jessica Hisch, Whimsy and Spice, Sartorialist, Katie Did journal …et tellement d’autres.)

Roger. Paule T.B.

Fab4 : Sur quoi travailles-tu en ce moment, quels sont tes projets à venir ?

Paule : Présentement je travaille au troisième tome d’une série de livres pour enfants. “Pierre et les voyous” (chez Planète Rebelle). J’ai aussi un projet personnel qui me tient bien à coeur, une série de jolies filles avec leurs chiens. J’ai quelques idées pour comment utiliser ces illus, entre autres, peut-être sur des sacs en coton réutilisables.

J’ai aussi rencontré Noémie Vaillancourt récemment (ligne Noémiah Bijoux). Et je crois qu’on s’inspire très bien l’une l’autre. On a plein d’idée de collabos pour maintenant et le futur, et c’est tellement super agréable de travailler avec elle. C’est d’ailleurs grâce à une pub de Noémiah que vous avez découvert mes illus je crois!

- Vous pouvez suivre son travail sur son blog régulièrement mis à jour: http://blog.pauleillustration.com/

- voir ses créations sur son site officiel

- vous faire un cadeau avec son etsy : ICI

- et, enfin, lui donner de l’amour virtuel sur sa page facebook.

Fab4

L’hiver: volet1, par Jennifer Macklem (détail)

Cette semaine, je vous propose une visite thématique au Belgo. Sans se concerter, plusieurs galeries présentent des expositions entre lesquelles je vois un lien : le jeu.

Commençons par la galerie Circa. À gauche de l’entrée, une petite salle sert souvent à présenter des projets originaux qui utilisent cet espace clos. Jusqu’au 8 mai, vous pourrez y voir « L’Hiver : volet1 » de Jennifer Macklem. Cette œuvre est une large structure de bois qui serpente, un décor artificiel mais reconnaissable. Ce paysage est le support d’un chemin sculpté dans le bois par l’artiste. Des boules en verre le descendent inlassablement, dans un mouvement continu : un beau et gros jouet qu’on aurait aimé avoir dans sa chambre d’enfant. Mais avant tout, c’est une œuvre qui traite du passage du temps et des saisons de manière originale et délicate.

Un étage plus bas, à l’espace 416, la galerie Sas nous présente une sorte de best-of de ses expos passées. Pas vraiment de lien entre les artistes si ce n’est une certaine qualité. Moi, j’y ai vu le thème du jeu encore. Tout d’abord avec le travail de Patrick Bérubé, dont vous trouverez des exemples ici. Ses œuvres sont souvent des véritables clins d’œil qui invitent le visiteur à jouer avec les références des objets présentées.

Laurent Craste

Dans la salle juste à côté, les porcelaines de Laurent Craste. Ici encore, l’humour joue un rôle important. Alors qu’elles auraient dû être détruites sous l’impact, les vases accueillent l’objet de leur agression et en épousent les formes.

Toujours à la galerie Sas, 2fik expose quelques-unes de ses photos. 2fik se déguise, se multiplie, se met en scène dans des photos où il joue sur les genres (gai, arabe, artiste etc…) et les situations. Pour en savoir plus sur cette démarche très intéressante, cette vidéo réalisée par Mange ta ville est parfaite : http://www.mangetaville.tv/Web-Tele/420/2fik.aspx.

Jean-François Gratton

Enfin, le photographe Jean-François Gratton nous propose un petit jeu de voyeur. Un cadre noir cache une grande partie de ses photos, on se retrouve malgré nous dans la position de voyeur, à jouer autour du cadre pour en voir plus.

Pour finir la visite, je vous conseille de passer par la galerie b312 (au même étage, au bout du couloir) où une salle est consacrée à «Science Fictions and Constellations». L’artiste vidéaste Brian Mac Donald s’est entouré de Emi honda, Tor Jorgen Von Ejik et Aston Coles. Ensembles, ils s’interrogent sur la dualité des œuvres d’art qui, à la fois, perturbent le réel mais permettent aussi de s’y soustraire et de s’offrir un petit moment de divertissement. La façon idéale de finir une visite à la fois ludique et stimulante.

P.S. Toujours en rapport avec le thème du jeu, la revue montréalaise Esse a publié son dernier numéro dont le sujet est “sabotage”.  J’ai déjà parlé ici de cette excellente revue qui rayonne de plus en plus internationalement. En plus des textes qui proposent des pistes de réflexion sur le sabotage en art, la revue s’est faite sabotée par ses graphistes (photos manquantes, texte à l’envers etc…). Une preuve de plus de la vitalité et du culot de cette revue.

Fab4

C’est une chose que j’aurais dû savoir. Et même si je ne le savais pas, j’aurais dû me renseigner. Et la meilleure chose à faire à Montréal pour se renseigner sur les expos et les galeries, c’est d’aller sur le site Ratsdeville. Ce site est une véritable plateforme qui fait circuler les informations sur le milieu artistique. Il répertorie toutes les expos en cours. Mis à jour plusieurs fois par semaine par Éric Bolduc, à l’origine du projet.

La Galerie Pangée est située sur la rue St-Paul au cœur du Vieux-Montréal. Elle est entourée de petites boutiques touristiques, de studios de peintures et de vitrines disposant des objets artisanaux. Je dirais même que le côté rustique du quartier a un effet sur notre appréciation des œuvres d’art qui s’y cachent.

L’exposition Atmosphères est une exposition de groupe créée par la commissaire Lara Pan. C’est un rassemblement d’œuvres de plusieurs artistes et de leurs réflexions autour d’un mot commun : SILENCE.

Le silence est déjà assez omniprésent dans la pièce, et les œuvres sont loin d’être empilées les unes sur les autres : c’est pourquoi j’ai tout de suite pensé que « silence » vient avec « espace », et les œuvres des artistes semblent bien le démontrer.

Sculptures, peintures, dessins, photos, vidéos et installations. Des sons bizarres à la surface d’une planète sans nom, des dunes de sable d’une précision impeccable, des éponges en suspension sur un panneau noir. Des lignes droites et courbes et des paysages hypnotiques. Les œuvres des artistes des quatre coins du monde (Amérique du Nord, Amérique du Sud et Europe) nous entraînent dans leur propre monde individuel, dans leur propre perception du silence en tant que concept, émotion et forme esthétique.

J’ai particulièrement aimé la sculpture de Michael Aerts, un obélisque en acier armé de nombreux cadenas et qui ressemble à une grande tour de trésors. C’est la singularité du silence, qui n’est accessible qu’à la personne qui le perçoit (ici, l’artiste).

L’idée de réaliser Atmosphères est née dans le cadre de Performa 09 Biennal of Performing Arts à New York. Le silence restera dans la galerie Pangée jusqu’au 19 Avril.

Artistes : Michael Aerts (Belgique), Maria Antelman (Grèce), Judith Braun (États-Unis), Michael Flomen (Canada), Luca Pozzi (Italie) et Vargas-Suarez Universal (Mexique/Etats-Unis).

Valérie Mathis

Là aussi, les finissants ont bien travaillé, même si certains travaux manquent de maturité et d’autres sont trop scolaires, il y a beaucoup de choses intéressantes à voir.

S’il y en a un qui semble avoir aimé exposer dans un théâtre c’est bien Gabriel Morest. Son œuvre “zone franche” est une installation in-situ. Elle présente une tour de chasseur construite sur la scène du théâtre et tout un fatras de choses diverses: fil de laine, pigeon, gazon, cadre de fenêtre, pelles, etc., qui, installées ensemble, prennent sens. Son travail, par les thèmes qu’il aborde, et par sa façon de prendre d’assaut un lieu, me fait penser aux œuvres du collectif BGL.

Une autre qui a su mettre à profit le formidable espace du théâtre c’est Judith Deschamps. Elle présente 4 vidéos installées dans le sombre comble, sous la scène. Les vidéos montrent 4 visages de personnes, impassibles, qui nous fixent sans rien dire, à la fois intime et légèrement intimidant.

Enfin, l’œuvre qui m’a le plus intrigué est cette sculpture en chocolat de Charles-Antoine Blais-Métivier, intitulée “enlace moi”. Pour la découvrir, il faut descendre aux toilettes des hommes et pousser une porte. Ça sent le chocolat. En ouvrant la porte on déclenche des lampes chauffantes placées dans le dos de la sculpture. Elles éclairent la sculpture tout en la faisant fondre.  À chaque visite, elle fond un peu plus. Les nombreux visiteurs lui ont d’ailleurs fait du mal,  puisque le tronc s’est effondré sous la chaleur. (voir photo)

Dans les travaux qui m’ont aussi intéressé, il y a la grande sculpture rose et bandée de Gregory C. Brunet et le projet intimiste de Maude Godbout. Mais il est difficile de faire une expo de 20 artistes différents tout en restant cohérent. J’aurais appelé l’expo “Actes de présences” (au pluriel) tant les médiums et les talents sont variés. Le thème est un peu trop vaste pour réellement créer une cohésion et cela se ressent en faisant le tour du théâtre. Néanmoins, le déplacement au théâtre Cartier vaut la peine.

- Si vous avez manqué le vernissage, vous pouvez vous rattraper avec le « finissage », ce samedi. Des surprises sont prévues.

- Pour plus d’information sur les artistes qui participent au projet ça se passe ici.

et pour les infos générales c’est là.

Fab4 (texte et photos)

Jonathan Cabot

Autour du thème “déjà vu”, réflexion théorique et pratique concrète se confrontent et donnent lieu à une exposition très réussie. C’est cet aspect qui m’a le plus marqué lors de ma visite. Malgré la variété des médias présentés, malgré la diversité des artistes, l’exposition reste très cohérente. Pour une exposition qui est, rappelons-le, issue de travaux d’étudiants, il n’y a  pas d’œuvre un peu plus faible. Ce qui est rarement le cas pour des expos étudiantes (ceux qui ont visité Art Matters savent de quoi je parle).

L’exposition se déroule jusqu’au 20 mars (ce samedi) à la galerie Art Mûr, la publication est en vente sur place pour 10 $.

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Encore des étudiants qui s’organisent et encore une belle exposition :

Les étudiants en arts imprimés de Concordia présentent l’exposition Ink à la galerie Vav. Le vernissage est ce soir et les infos ici. L’exposition dure jusqu’au 28 mars.

Chaque artiste y présente une vision personnelle et originale de l’utilisation de l’art imprimé. À Concordia aussi il y a beaucoup de talents.

Fab4

le gâteau d'anniversaire pris par Patryk Stasieczek

J’aurai dû en parler lundi dernier (les lecteurs les plus assidus auront remarqué que lundi dernier on a rien posté… my bad). Seulement voilà, le festival commençait tout juste et je dois avouer que j’étais réticent à l’idée d’en parler sans n’avoir rien vu.

J’ai des sentiments mitigés pour ce festival.

Ce qui est formidable avec ce genre d’événement c’est qu’il permet d’exposer les travaux de la relève artistique dans tout ce qu’elle a de plus excitant, d’original et de prometteur. Le problème avec ce genre d’événement c’est que les travaux de la relève artistique manquent parfois un peu de talent… et que les œuvres sont un peu convenues, ou pire, arrogantes.

L’autre limite que je vois à ce genre d’événement est que, malgré son ouverture sur la ville, Art Matters sert surtout les intérêts : 1 - des artistes exposés, pour leur permettre d’exposer, d’ajouter un ligne sur leur cv, pour rendre leurs parents fiers, leurs amis contents, etc.  2 - de Concordia, qui  a ainsi l’occasion de montrer combien son département en art est dynamique.

Du coup, ce festival laisse parfois la désagréable impression qu’il est fait pour les artistes de Concordia, qui vont exposer entre eux et leurs amis. Pour un festival qui s’expose dans toute la ville, on dirait que le public lambda est un peu oublié (encore plus s’il est francophone).

Mais parlons maintenant des œuvres mêmes. Puisque, au bout du compte, c’est l’art qui compte.

Au final, les expositions que j’ai eu l’occasion de voir ont vaincu mes réticences et m’ont convaincu de la pertinence d’un tel événement. Au Belgo : “Seven Minutes in Heaven”, une exposition de photo dont le vernissage aura lieu jeudi (espace 405). On y retrouve, entre autres, des photos toujours sensibles de Yuli Sato (à qui l’on doit nos portraits), un portrait original par Zoe Lepiano et un paysage de Florence Gagnon.

Toujours dans le Belgo, la galerie “Les territoires” propose des travaux de design. Beaucoup d’utilisation du bois pour un travail fin et original, que ce soit pour les meubles ou les bijoux.

Ironiquement, c’est à la Vav, galerie de Concordia dédiée aux étudiants, où l’on voit l’exposition la plus “professionnelle”. Les œuvres réunies autour du thême “Drawing the Line in Painting” se répondent bien et forment un ensemble cohérent. On est accueilli par une large fresque peinte directement sur le mur (donc vouée à disparaître avec la fin de l’exposition). Puis les 3 grands portraits du “Cat lovers club”, de Pier-Yves Larouche viennent s’imposer à nous. Enfin, je retiendrais le grand collage coloré de Bea Parsons.

Ma de Bea Parsons

Le festival a lieu jusqu’au 19 mars. D’ici là, je mettrai à jour cette page au fil de mes visites et vous tiendrez au courant de mes autres découvertes. À noter, l’intrigant “Chill Zone” dont le vernissage aura lieu à la galerie Ctrl lab le 18 mars. Vous pouvez trouver plus d’infos sur le site: ici.

Magic & Science. C’est un thème que j’apprécie parce qu’il est assez large, il fait souvent affaire à de multiples dimensions et à un imaginaire qu’on ne comprend pas toujours.

La galerie Yergeau se situe tout en haut d’une petite ruelle perpendiculaire à St-Denis dans ce qui ressemble à un hangar décrépi. Je dirais que le fait de s’y aventurer est déjà une expérience en soi.

L’expo « Magic & Science », c’est un amalgame de créations qui semblent être superposées l’une par-dessus l’autre sans ligne directrice. Les œuvres sont très différentes l’une de l’autre, et elles m’ont tout de suite fait penser à un vrai chaos de pensées, d’écritures, de courts-métrages, de dessins créant à eux seuls un tout et faisant ressortir des thèmes assez récurrents : la quête de soi, les univers parallèles, l’élaboration de différentes perceptions, les mystères irrésolus.

Une maison construite en bois se situe dans la première salle. Elle y abrite des lumières, des papiers transparents de couleurs différentes où sont écrits des petits messages ne voulant rien dire, des fenêtres sans vitre découpées à même les murs.  « C’est un espace tangible », expliquent Katerina Lagasse et Brianna Oversby, « où les souvenirs sont partagés, conservés, ou projetés ».

Dans la prochaine salle, je me suis attardée sur un film monté par l’étudiante Nicole Roberge. Ugh.. I know qui m’a beaucoup plu par son absurdité et par son exploration de plusieurs univers, élargissant par le fait même son champ de possibilités. « J’ai décidé de personnifier un chat hybride parce que  c’est peut-être ça que je serais dans une autre vie », m’a-t-elle confessé, et j’ai trouvé l’image amusante.

D’autres installations, un peu moins esthétiques, étaient pour le moins originales.  J’ai particulièrement apprécié l’installation Solar Eclipse d’Antoine Cloutier-Belisle. Il s’agit d’un grand cylindre en hauteur avec un toit et une affiche nous invitant à y entrer et nous promettant de nous montrer une éclipse. Évidemment, il n’en est rien. On entre bêtement dans le cylindre pour se retrouver devant nous-mêmes, « commes nous le sommes toujours », semble nous chuchoter l’artiste.

Magic & Science : plus de magie que de science, je dirais, et en tout cas une expérience presque thérapeutique qui vaut la peine d’en jeter un coup d’œil.

Fab4 et Val

Jean-François Bouchard

Pourtant les photos de Jean-François Bouchard sont des portraits de sexdolls. Les photos ont été prises directement à l’usine de fabrication où il a installé un studio. Les photos ont été prises alors que ces poupées sont encore vierges. Avant d’être vendues, avant qu’elles ne connaissent une vie (qu’elles prennent vie en quelque sorte) avec un homme. Ce n’est pas la première fois que Jean-François Bouchard s’intéresse à un univers parallèle.

Le travail de ce photographe (par ailleurs  directeur de la fameuse agence de créativité Sid Lee) m’avait marqué lors de sa précédente exposition. Il y a 1 an, presque jour pour jour, à la Fonderie Darling, j’avais vraiment aimé son exposition “Sociétés Secrètes”. Fétichistes, hippies, ravers, amateurs de bondage, de tatouage etc. Il s’était infiltré dans tous ces univers parallèles et en avait tiré des photos fortes. Des grands formats au noir et blanc très contrasté. Son travail se situait alors à la limite du photojournalisme et de la photo d’art.

Jean-François Bouchard

Pour sa nouvelle exposition il a poussé délibérément cette limite et il nous présente une exposition d’art. Tout l’espace de la galerie Sas lui est réservé.  Les larges photos sont d’une qualité technique parfaite. Texture, détails, couleurs, tout y est éclatant. Les poupées en silicone sont toutes présentées par leur prénom. Des citations d’utilisateurs accompagnent les photos. Jean-François Bouchard a pris contact avec eux grâce à un forum. Ces gens-là ne se servent pas juste de ces poupées comme sex toy. Ils les utilisent dans leur vie affective, regardent la télé, partagent un repas. Entre eux, ils s’appellent iDollators. J’ai passé ma soirée d’hier à faire des recherches sur Google sur ce monde, c’est assez fascinant et plutôt déprimant.

Pour rencontrer toutes ces poupées c’est au quatrième étage du Belgo (372, Sainte-Catherine Ouest), à la galerie Sas.

Fab4